Pública RETO 3 – DISEÑO TFG – DAVID ESCOBAR GONZÁLEZ.
Podcast La mujer torera Reto 1 – David Escobar González.
Entrega final de la fase 2
FASE 2 — Llevar el campo al estudio Contexto: Palma de Mallorca
Pública He decidido trabajar en la Estació Intermodal de Palma, principal nodo de tránsito de la ciudad. Es un espacio subterráneo de paso continuo donde convergen turistas, trabajadores y residentes. Me interesa su condición de lugar anónimo y acelerado, diseñado para no detenerse. Quiero explorar cómo una intervención mínima puede alterar la percepción del tiempo y generar una conciencia corporal en medio del flujo automático.
Actividad 1: La prospectora. David Escobar González
Pongo sobre la mesa ¿por qué dejamos de crear arte para enseñar arte?
Pública David Escobar González – Padre – exartista.
Reflexión sobre la transformación del arte en la paternidad
Cuando una persona se convierte en padre o madre, su vida experimenta un cambio profundo. El tiempo, que antes podía dedicarse con libertad a la creación artística, se fragmenta. Las responsabilidades diarias, el cuidado y el cansancio ocupan espacios que antes estaban disponibles para la experimentación y la expresión.
Esto genera una sensación frecuente: la idea de que el arte se ha detenido o se ha perdido. Muchos creadores sienten que ya no producen como antes, que su energía creativa se ha desplazado hacia otras obligaciones. Sin embargo, este fenómeno no debe entenderse únicamente como una pérdida.
El arte, en su sentido más profundo, no depende solo de la producción constante. Crear no es únicamente generar objetos artísticos; también es una forma de mirar el mundo, de interpretarlo y de transmitir sensibilidad. La paternidad, aunque exige sacrificios, ofrece una experiencia humana distinta y rica en significado. El contacto con la crianza expone a la persona a emociones intensas, a aprendizajes sobre la fragilidad y el amor, y a una comprensión más amplia de la existencia.
En este sentido, la creatividad no desaparece; se transforma. El tiempo dedicado a enseñar a los hijos, a guiarlos y a compartir con ellos experiencias también puede entenderse como un acto creativo. Se transmite una visión del mundo, una sensibilidad, incluso valores que son, en sí mismos, formas de creación.
Es importante reconocer que esta transición puede generar duelo. El artista que antes disponía de libertad total debe adaptarse a nuevas prioridades. Pero este cambio no implica renunciar a la identidad creativa. Significa comprender que la creatividad puede manifestarse de otras maneras y en otras etapas.
La experiencia de la paternidad no elimina el arte; lo Re contextualiza. El creador sigue presente, aunque su expresión sea diferente. A veces el arte se vuelve más silencioso, menos visible, pero no por ello menos profundo.
Práctica Vivencia.
Pública 
David Escobar González.
Me complace presentarme como artista y poder presentar mi obra. A lo largo de mi vida, he descubierto que el arte es mi forma más autentica y apasionada de expresión. Me sumerjo en el mundo del color, la forma y la textura para crear obras que transmiten emociones y son capaces de narrar historias que conectan con el espectador.
Algunos de mis enfoques artísticos se basan en la pintura y mis mayores influencias son las pinturas del movimiento surrealista,
Encuentro inspiración en la naturaleza, las emociones humanas y los encuentros cotidianos. Estos elementos se fusionan en mis creaciones, donde busco capturar momentos efímeros y destacar la belleza en lo ordinario.
A través de mi trabajo, aspiro a conectar con el espectador, a provocar una respuesta emocional y a invitar a la reflexión. Cada pincelada o trazo es una oportunidad para compartir mi visión única del mundo y transmitir mensajes que espero resuenen en el corazón de quienes observan mis obras.
Me encanta explorar nuevas técnicas y materiales, siempre en constante búsqueda de nuevas formas de expandir mi creatividad y desafiarme a mí mismo como artista. Disfruto del proceso de experimentación y aprendizaje, siempre en busca de nuevas formas de llevar mis ideas a la vida.
La performance artística es una forma fascinante de expresión que combina elementos visuales, sonoros y físicos para transmitir un mensaje o una experiencia al público.
Me considero un artista multidisciplinario que utiliza la performance como una forma única de expresión artística. A través de la performance, me embarco en un viaje creativo donde fusiono diferentes elementos como el movimiento, el sonido, el cuerpo y el espacio.
Para mí, la performance es una oportunidad de romper barreras y explorar límites, tanto físicos como emocionales. Creo en la capacidad de esta forma de arte para transmitir ideas, provocar emociones y generar una experiencia inversiva para el público.
En mis performances, busco desafiar las convenciones y cuestionar las normas establecidas. Utilizo mi cuerpo como un instrumento para comunicar conceptos y narrativas, a menudo abordando temas sociales, políticos o personales. A través del movimiento, la expresión facial y la interacción con el entorno, busco crear un diálogo con el público, invitándolos a reflexionar y a participar en la experiencia artística.
Cada performance es una colaboración única entre mi cuerpo y el espacio en el que se desarrolla. Considero el entorno como un lienzo vivo donde puedo explorar la relación entre el arte y el espectador. Me encanta experimentar con diferentes escenografías, iluminación, sonido y otros elementos para crear una experiencia completa y envolvente.
La performance es una forma de arte efímera y en constante evolución. Cada actuación es única y nunca se repite exactamente de la misma manera. Esto le otorga una energía especial y una conexión íntima entre el público y el artista en el momento presente.
Segunda iteración de la performance. PEC 4
Pública
Arte, improvisación y performance.
La rabia es una emoción poderosa y, al igual que otras emociones intensas, puede ser canalizada y expresada a través del arte de manera creativa y significativa. El arte puede ser una vía para explorar y dar forma a la rabia, permitiendo una expresión saludable y constructiva de esta emoción.
Cuando se experimenta rabia, es importante encontrar formas adecuadas de manejarla y liberarla. El arte puede brindar un medio seguro para explorar y procesar esta emoción, ya que te permite canalizar la energía emocional en la creación de algo tangible.
Puedes utilizar colores, líneas y formas para expresar la intensidad y la fuerza de la rabia, creando obras de arte que transmitan tus sentimientos de una manera simbólica o directa.
Además, el acto de crear arte puede ser terapéutico en sí mismo. Al enfocarte en el proceso creativo, puedes experimentar una liberación emocional y una sensación de alivio.
El arte te brinda la oportunidad de dar voz a tu rabia y explorarla desde diferentes perspectivas, lo que puede llevarte a una mayor comprensión de ti mismo y de tus emociones.
Sin embargo, es importante recordar que el arte como expresión de la rabia debe ser realizado de manera segura y respetuosa. No se trata de dañar a otros o a ti mismo, sino de encontrar una forma constructiva de dar salida a esta emoción.
Además, es importante equilibrar la expresión de la rabia con otras formas de auto reflexión y manejo emocional para promover un bienestar integral.
Al utilizar el arte como medio de expresión, puedes dar voz a tus emociones, procesarlas y encontrar una forma constructiva de manejar la rabia.
Sin embargo, siempre es importante practicar el arte de manera segura y equilibrada, buscando un bienestar emocional y mental integral.
Crear obras de arte espontáneas es una forma emocionante y liberadora de expresión artística. La espontaneidad en el arte implica dejar de lado la planificación detallada y permitir que la creatividad fluya de forma libre y sin restricciones.
Cuando creas de manera espontánea, te das permiso para explorar, experimentar y seguir tus instintos artísticos sin preocuparte demasiado por el resultado final. Puedes dejar que tus emociones, intuición y el impulso del momento guíen tus acciones y decisiones creativas.
La creación espontánea de obras de arte te brinda la oportunidad de sorprenderte a ti mismo y de descubrir nuevas ideas, técnicas y combinaciones de colores. Puedes permitirte cometer «errores» y verlos como oportunidades para aprender y crecer en lugar de obstáculos.
Este enfoque también te ayuda a conectarte más profundamente con tu intuición y con tu expresión personal. Puedes explorar diferentes estilos, temas y medios artísticos sin restricciones, lo que fomenta la originalidad y la autenticidad en tu obra.
Es importante destacar que la creación espontánea de obras de arte no excluye la planificación y la reflexión. A veces, la inspiración surge en el momento y debes capturarla rápidamente, pero también puedes combinar la espontaneidad con momentos de reflexión y experimentación más consciente.
PEC 2 Actividad flash de interpretación
Pública 
Titulo: Escapa
Autor: David Escobar González.
Obra: https://drive.google.com/drive/u/1/folders/1qSK5cReqWcx7MBYr_S1Ki_gcvA4sCyYm
Duración: 3:56 minutos.
Sistema de audio: Mono
Formato y proporción: Performance documentada en video en 16:9.
Durante la pandemia de la COVID-19, quizás sientas estrés, ansiedad, miedo, tristeza, y soledad. Es posible que empeoren los trastornos de salud mental, que incluyen la ansiedad y la depresión. La emergencia por la pandemia también ha visibilizado las vulnerabilidades estructurales preexistentes y, a la vez, viene generando vulnerabilidades específicas emergentes de esta nueva situación. Ella constituye una situación disruptiva, que genera altos niveles de estrés individual y colectivo. Para muchas personas implica una situación trágica a causa las pérdidas que deben afrontar: pérdida de seres queridos, de la salud, de la vivienda, de bienes, o del empleo.
En lo que respecta a las personas, surgen manifestaciones emocionales como angustia, desconfianza, ansiedad, temor al contagio, enojo, irritabilidad, sensación de indefensión frente a la incertidumbre e impotencia. También han surgido expresiones de discriminación y estigma frente a las personas diagnosticadas con COVID-19, dado que es una enfermedad transmisible, nueva y desconocida.
Mi obra es una representación de toda esa desesperación de las personas que tuvieron que estar recluidos en casa en el estado de alarma, muchas personas meses después aseguran tener altos momentos de estrés y miedo de volver a pasar una situación así. Para muchas familias que 4 o 6 miembros convivir en un piso de apenas 45 metros cuadrados se convirtió en una pesadilla en la que actualmente lo recuerdan con amargura y desespero.
Una de las principales causas de este incremento fue el estrés sin precedentes que causó el aislamiento social provocado por la pandemia. A este factor, se le ha de añadir otros condicionantes como las limitaciones de las personas a la hora de trabajar, a recibir el apoyo de sus seres queridos y a participar en sus comunidades.
Otros factores que condujeron a los altos niveles de ansiedad y depresión fueron la soledad, el miedo a la infección, al sufrimiento y a la muerte, tanto propia como de los seres queridos, el dolor tras el duelo y las preocupaciones económicas. Entre el personal sanitario, el agotamiento fue una de las principales causas de los pensamientos suicidas.
Articulo leído “Doomed” Chris Burden
https://mcachicago.org/publications/blog/2015/05/in-support-of-uncertainty-chris-burdens-doomed
En 1975, Chris Burden realizó su performance “Doomed” en donde permaneció acostado bajo una placa de cristal acompañado de un reloj; la idea de este trabajo era dejar que el público pusiera fin al mismo con la intervención de sólo uno de los objetos que conformaban la pieza (el reloj, el cristal o el artista mismo); después de 45 horas, uno de los miembros del personal del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, temiendo por la vida de Burden, le acercó una jarra con agua, con lo que finalizó el acto.
Práctica Videoinstalaciones David Escobar González.
Pública 
Idea del proyecto;
Vivir deprisa es una gran parte de mi trabajo, durante este último mes estado grabando algunas piezas de fruta y flores con una velocidad a la que los seres humanos no estamos acostumbrados, cada segundo de grabación es un día 24 horas. Utilizamos el modo time lapse el cual acelera el proceso del tiempo a un ritmo vertiginoso. Después de la grabación que terminare con ella sobre el día 12 o 13 de enero completando así varios meses de grabación continua mientras algunas piezas de fruta se pudren y cambian su forma incluso terminando llenándose de bichos, la idea secundaria es proyectar estos videos en espacios diferentes con todo tipo de personas, desde un viandante hasta un cliente de un supermercado. ¿Cómo lo vamos hacer? Vamos llevar un ordenador portátil con el video en repetición, la duración del video tendrá unos dos minutos con un video que en tiempo real serian meses, ¿Qué buscamos? La reacción de las personas cuando observen el video, el ser humano no está acostumbrado a ese tipo de videos en el que el tiempo pasa demasiado rápido, pero quizás sea una gran metáfora a como estamos viviendo nuestra vida siempre con rapidez y estrés.
Creo que vivir deprisa no es vivir, es sobrevivir. Nuestra cultura nos inculca el miedo a perder el tiempo, pero la paradoja es que la aceleración nos hace desperdiciar la vida. La mejor forma de aprovechar el tiempo no es hacer más cosas rápidamente, sino buscar el ritmo adecuado para cada una. Hay que plantearse muy seriamente a qué dedicamos el tiempo.
En nuestra cultura de ritmo acelerado estamos obsesionados con ser hiperproductivos, incluso en nuestro tiempo libre. Aun cuando no nos controlan, estamos aterrorizados con la idea de perder el tiempo. Esto significa que nos sentimos impulsados a usar nuestro tiempo libre para ser productivos.
La sociedad avanza a velocidad de vértigo; casi todo debe ser inmediato; las cosas se piden, se demandan, para ya, para el mismo instante; la información, los servicios o los productos se desarrollan y fabrican bajo la esclavitud del tiempo; lo de ayer ya no sirve, se necesitan más y más cosas nuevas; tenemos la necesidad de conocer, ya, lo que nos va a deparar el mañana… Y todo ello es, por supuesto, aplicable al mundo de la cultura, tanto para los consumidores como para los creadores y la industria. Hay, naturalmente, excepciones, pero la sociedad, en general, se desliza por la autopista de la vida a una velocidad de vértigo que, en muchas ocasiones, nos impide disfrutar de las cosas que tenemos, porque no hacemos más que pensar en lo nuevo; en lo que está por venir.
Proyecto 1 – Montaje final trabajo, David Escobar González.
PRÁCTICA, Formalización del proyecto, David Escobar González.
Camino hacia el Reto 4
Diario de Proceso. Del Reto 1 al Reto 2: cómo está cambiando mi manera de entender la investigación artística
A medida que avanzo en la asignatura de Investigación Artística, estoy empezando a comprender que investigar desde el arte no consiste solamente en buscar información y presentar unos resultados. También implica observar, experimentar, plantearse preguntas y reflexionar sobre las decisiones que se toman durante el proceso creativo.
En el Reto 1, «Argumentando lo visual», trabajé a partir del texto de Gerard Vilar, ¿Dónde está el arte en la investigación artística?, y del ensayo visual La trayectoria singular de una hoja de maíz, de Francesca Cozzolino, Coralie Maurin y Juliette Nier.
Este primer trabajo me ayudó a entender que las imágenes no tienen por qué ser simples ilustraciones. La fotografía, el montaje, la animación y otros recursos visuales pueden establecer relaciones entre ideas y contribuir a generar conocimiento.
También descubrí que no cualquier actividad creativa puede considerarse automáticamente investigación artística. Para que exista investigación debe haber preguntas, un contexto, decisiones metodológicas y una reflexión sobre el proceso y sus resultados.
Al comenzar el Reto 2, decidí profundizar en la perspectiva «CON el arte». Para ello elegí estudiar el proyecto de Natalie LeBlanc, que utiliza prendas de vestir y procesos textiles para explorar la memoria autobiográfica y la identidad.
Lo que más me llamó la atención fue descubrir cómo un objeto cotidiano puede adquirir un significado personal y convertirse en un punto de partida para reflexionar sobre nuestra propia historia.
Este proyecto me hizo recordar una boina de mi abuelo que conservo con mucho cariño. Él la llevó durante sus últimos años de vida y, para mí, esa prenda representa mucho más que un objeto. Me permite conectar con su recuerdo y con una parte de mi historia familiar.
Al relacionar esta experiencia con el trabajo de LeBlanc, he empezado a comprender que los materiales artísticos y los objetos personales pueden participar en un proceso de conocimiento. No se trata solamente de representar recuerdos, sino también de explorar qué significan y cómo forman parte de nuestra identidad.
La relación entre los dos retos me parece especialmente interesante. En el primero analicé cómo una imagen puede construir relaciones y generar preguntas. En el segundo estoy descubriendo cómo un material cotidiano, como una prenda de vestir, también puede activar recuerdos y abrir nuevas formas de reflexión.
En ambos casos aparece una cuestión común: el arte puede contribuir a producir conocimiento, pero es necesario explicar cómo lo hace y qué decisiones forman parte del proceso.
Por eso, mi manera de entender la investigación artística está cambiando. Al principio la relacionaba principalmente con el análisis de fuentes y la elaboración de conclusiones. Ahora empiezo a verla también como un proceso de experimentación, interpretación y reflexión.
De cara al Reto 4, quiero conservar especialmente esta idea: investigar artísticamente no significa solamente obtener un resultado final, sino prestar atención al camino recorrido, a las dudas que aparecen y a cómo cambian nuestras preguntas.
Todavía tengo una cuestión abierta que quiero seguir explorando en los próximos retos:
¿Qué condiciones hacen que una experiencia creativa o personal pueda convertirse en una investigación artística rigurosa y no quedarse únicamente en una expresión individual?
Considero que esta pregunta puede ayudarme a relacionar los aprendizajes de los distintos retos y a construir una posición más fundamentada sobre la investigación artística.
Referencias
- Vilar Roca, G. (2017). ¿Dónde está el «arte» en la investigación artística? ANIAV – Revista de Investigación en Artes Visuales, (1), 1–8.
- Cozzolino, F., Maurin, C. y Nier, J. (2025). La trayectoria singular de una hoja de maíz. Revista .able.
- Hernández Hernández, F. (2008). La investigación basada en las artes. Propuestas para repensar la investigación en educación. Educatio Siglo XXI, 26, 85–118.
- LeBlanc, N., Davidson, S. F., Ryu, J. Y. e Irwin, R. L. (2015). Becoming through a/r/tography, autobiography and stories in motion. International Journal of Education through Art, 11(3), 355–374.
Uso de inteligencia artificial
He utilizado ChatGPT (OpenAI) como herramienta de apoyo para organizar los contenidos trabajados en los Retos 1 y 2 y elaborar un borrador que relaciona los aprendizajes de ambas actividades.
La indicación utilizada ha sido preparar una entrada conjunta para el Diario de Proceso, a partir del trabajo del Reto 1 y de las reflexiones del Reto 2.
Reto 2. Primeras reflexiones sobre investigar CON el arte.
Pública Reto 2. Primeras reflexiones sobre investigar CON el arte.
Al comenzar el Reto 2 de Investigación Artística, he decidido trabajar la perspectiva «CON el arte», porque me interesa comprender cómo la creación artística puede ayudarnos a investigar aspectos de nuestra vida que normalmente no observamos con tanta atención.
Durante la revisión de los materiales de la asignatura, he conocido el trabajo de Natalie LeBlanc, quien utiliza prendas de vestir y tejidos relacionados con su propia vida para explorar la memoria, las experiencias personales y la identidad.
Lo que más me ha llamado la atención es descubrir que los objetos cotidianos pueden tener un significado mucho más profundo del que parece a simple vista. Una prenda de ropa puede recordarnos a una persona, una etapa de nuestra vida o un momento importante.
Al conocer este proyecto, me he acordado de una boina de mi abuelo que conservo con mucho cariño. Él la llevó puesta durante sus últimos años de vida y, por eso, tiene un valor sentimental muy importante para mí.
Aunque es una prenda corriente, para mí representa mucho más. Me recuerda a mi abuelo y me permite mantener una conexión con su recuerdo. Esto me ha ayudado a entender mejor cómo los objetos pueden relacionarse con nuestra memoria y nuestra identidad.
El trabajo de LeBlanc me ha hecho pensar que el arte no consiste únicamente en crear algo estético. También puede servir para hacernos preguntas, recuperar recuerdos y explorar nuestras experiencias personales.
A través de las lecturas sobre investigación basada en las artes y a/r/tografía, estoy empezando a comprender que la creación artística puede formar parte de un proceso de investigación. Al mismo tiempo, me surge una duda que quiero seguir explorando: ¿qué diferencia una actividad artística de una investigación realizada con el arte?
Por ahora, mi principal aprendizaje es que investigar con el arte puede ayudarnos a mirar los objetos cotidianos de otra manera y descubrir los significados personales que contienen.
Mi siguiente paso será profundizar en el proyecto de Natalie LeBlanc y preparar el vídeo del reto, relacionando su proceso creativo con la perspectiva «CON el arte».
Referencias consultadas
- Hernández Hernández, F. (2008). La investigación basada en las artes. Propuestas para repensar la investigación en educación. Educatio Siglo XXI, 26, 85-118.
- LeBlanc, N., Davidson, S. F., Ryu, J. Y., e Irwin, R. L. (2015). Becoming through a/r/tography, autobiography and stories in motion. International Journal of Education through Art, 11(3), 355-374.
Uso de inteligencia artificial
He utilizado ChatGPT (OpenAI) como herramienta de apoyo para organizar las ideas de las lecturas y generar un borrador de esta entrada a partir de mis reflexiones sobre Natalie LeBlanc y la boina de mi abuelo. He revisado y adaptado el texto para expresar mis propias ideas.
«Boina de mi abuelo. Objeto personal que relaciono con la memoria familiar y la identidad».
El Guernica como proceso social y crítica descolonial.
Introducción y pregunta de investigación:
Al observar African Guernica, de Dumile Feni, me llama la atención su carácter humano y su relación con la tierra y con la realidad de las personas. Es una obra que me transmite un sufrimiento colectivo, no solamente individual. Esta forma de representar la violencia me parece importante porque conecta el arte con la vida y con las experiencias de una sociedad.
Por eso, me interesa estudiar la obra de Feni junto a la de Picasso, pero sin considerar que una tenga que ser superior a la otra.
¿Cómo influyen los museos, las instituciones y los prejuicios culturales en el diferente reconocimiento de Picasso y Dumile Feni, y por qué es importante estudiar sus obras con la misma consideración artística?
Picasso y Dumile Feni: dos contextos, dos obras:
Al comparar las dos obras, encuentro diferencias en la manera de expresar el sufrimiento. En Guernica, Picasso utiliza formas fragmentadas y figuras que transmiten el horror de la guerra. En cambio, cuando observo African Guernica, de Dumile Feni, siento una conexión más fuerte con las raíces africanas, la tierra, la naturaleza y la vida.
Esta diferencia no significa que una obra sea mejor que la otra. Me parece importante que cada artista pueda ser reconocido por su propio lenguaje y por el contexto histórico en el que trabajó. Feni no tiene que parecerse a Picasso para que su obra tenga valor.
Para mí, Picasso y Dumile Feni son dos grandes artistas y los dos merecen el mismo reconocimiento. Creo que Picasso se hizo más conocido, en parte, por su personalidad extravagante y por la atención que recibió su figura. Sin embargo, pienso que eso no significa que su obra tenga más valor que la de Feni.
Aunque trabajaron en contextos históricos diferentes, ambos utilizaron el arte para expresar el sufrimiento y la violencia. Me gustaría que los museos dieran más visibilidad a Dumile Feni y que sus obras tuvieran una importancia comparable a las de Picasso.
El reconocimiento artístico como proceso social: Zolberg:
Un ejemplo de la importancia de las instituciones es el traslado de Guernica a España en 1981. En el archivo del Museo Reina Sofía aparece un documento sobre el presupuesto del seguro necesario para trasladar la obra. Esto demuestra que la historia de una pintura no termina cuando el artista la realiza, sino que continúa con las decisiones sobre su conservación, traslado y exposición.
Relaciono este documento con Zolberg porque permite observar que una obra de arte también forma parte de un proceso social. Los museos y otras instituciones participan en su trayectoria y ayudan a mantener su presencia pública. Me pregunto si Dumile Feni habría alcanzado una visibilidad diferente si su obra hubiera recibido una atención institucional comparable.
Desde mi punto de vista, Picasso consiguió una gran fama no solo por sus obras, sino también por su personalidad extravagante y por su relación con las corrientes artísticas más innovadoras de su época. Creo que su figura pública influyó mucho en el reconocimiento que recibió.
Esta idea se puede relacionar con Zolberg, porque el valor y el reconocimiento de un artista no dependen únicamente de sus obras, sino también del contexto social, los museos, los críticos y las instituciones que ayudan a darlo a conocer.
Por eso, pienso que Dumile Feni merece la misma consideración artística que Picasso, aunque no haya tenido la misma visibilidad.
Los prejuicios y la injusticia epistémica: Fricker:
Desde mi punto de vista, los museos han dado tradicionalmente mucha importancia a los artistas europeos. Creo que Europa tuvo un papel fundamental en la difusión de las nuevas corrientes artísticas y que algunos artistas, como Picasso, despertaron una gran admiración y se convirtieron en figuras muy famosas.
Sin embargo, pienso que esta atención no se repartió de la misma manera entre artistas de diferentes lugares. Dumile Feni, por ejemplo, merece ser estudiado con la misma consideración que Picasso.
Esta diferencia me hace pensar en las ideas de Miranda Fricker sobre la injusticia epistémica. Los prejuicios pueden influir en qué voces se escuchan y qué experiencias se consideran importantes. No significa que la menor fama de Feni demuestre por sí sola una injusticia epistémica, pero sí nos invita a preguntarnos si los prejuicios culturales han condicionado su reconocimiento.
Al comparar el reconocimiento de Picasso y Dumile Feni, me pregunto si la historia del arte ha prestado suficiente atención a las experiencias de los artistas africanos. Durante mucho tiempo, gran parte de los relatos artísticos difundidos internacionalmente se han construido alrededor de Europa.
La lectura de Miranda Fricker me ayuda a pensar en cómo los prejuicios pueden hacer que algunas voces sean menos escuchadas. En el caso de Feni, considero importante estudiar su obra desde el contexto sudafricano y no solamente desde su relación con Picasso.
No se trata de quitarle importancia a Picasso, sino de ampliar nuestra manera de entender el arte para que artistas de diferentes culturas puedan ser estudiados con la misma seriedad.
Dumile Feni y la crítica descolonial: Garb:
Creo que la obra de Dumile Feni es tan importante como la de Picasso porque los dos fueron grandes artistas que expresaron el sufrimiento humano a través del arte. Picasso pintó Guernica en 1937, durante la Guerra Civil española, mientras que Feni realizó African Guernica en 1967, en el contexto del apartheid en Sudáfrica.
La lectura de Tamar Garb me ayuda a entender que Feni no debe ser valorado solamente por su relación con Picasso. Su obra tiene un significado propio y merece ser estudiada desde la historia y la realidad sudafricanas. Para mí, que Picasso sea más famoso no significa que Feni tenga menos calidad artística.
African Guernica, me llama especialmente la atención la mezcla entre las figuras humanas, los animales y la tierra. Para mí, estos elementos parecen formar parte de una misma realidad, donde la vida humana está relacionada con la naturaleza y con las raíces africanas.
Esta es mi interpretación personal de la obra. No la veo solamente como una representación del sufrimiento provocado por la violencia, sino también como una imagen de la relación entre las personas y su entorno. Me parece importante observar estos detalles para comprender el lenguaje artístico propio de Dumile Feni.
Desde una mirada descolonial, considero que su obra debe estudiarse teniendo en cuenta la historia sudafricana y no únicamente su relación con el Guernica de Picasso.
Conclusión y reflexión sobre el debate:
En conclusión, considero que Picasso y Dumile Feni son dos grandes artistas que merecen el mismo reconocimiento. Aunque Picasso alcanzó mucha más fama, pienso que esto no significa que su obra tenga más valor artístico que la de Feni.
Este trabajo me ha hecho reflexionar sobre la importancia que tienen los museos, los críticos y las instituciones a la hora de decidir qué artistas conocemos. También he comprendido que debemos estudiar cada obra teniendo en cuenta su contexto histórico y cultural.
En el debate con mis compañeros he defendido que Feni no debe ser considerado un artista inferior a Picasso. Para mí, lo importante es reconocer la calidad de ambos sin que la fama de uno quite importancia al otro.
Mi manera de mirar African Guernica ha sido un gran descubrimiento y me ha producido mucho asombro. Antes de realizar esta actividad no conocía la obra de Dumile Feni y ahora me parece un artista que merece mucha más atención. Lo que más me ha impresionado es la mezcla entre las figuras humanas, los animales y la tierra, porque me transmite una relación muy profunda entre las personas, la naturaleza y sus raíces. Este descubrimiento me ha hecho comprender que hay muchas obras importantes que todavía desconocemos y que los museos pueden ayudarnos a ampliar nuestra mirada más allá de los artistas más famosos.
Anexo documental:
Documento 1. African Guernica (Guernica africano)
Autor: Dumile Feni
Año: 1967
Lugar: Sudáfrica
Tipo de documento: Obra artística, dibujo.
Descripción: African Guernica es una obra realizada por Dumile Feni en el contexto del apartheid sudafricano. A través de sus figuras, el artista expresa una visión de la violencia, el sufrimiento y la opresión.
Relación con mi investigación: He elegido esta obra porque me permite comparar el reconocimiento de Feni con el de Picasso. Considero que los dos artistas merecen la misma atención, aunque sus obras surgieran en circunstancias históricas distintas.
Agentes y acciones: Dumile Feni es el autor de African Guernica. A través de su obra representa el sufrimiento y la violencia relacionados con el contexto sudafricano. Su trabajo artístico permite expresar experiencias que merecen ser conocidas y estudiadas.
Fuente: Archivo Repensar Guernica, Museo Reina Sofía.
https://guernica.museoreinasofia.es/documento/african-guernica-guernica-africano
Documento 2. Stop the war in Vietnam now! (¡Detened la guerra en Vietnam ahora!)
Autor: Rudolf Baranik.
Año: 1967.
Tipo de documento: Cartel de protesta contra la guerra de Vietnam.
Descripción: Este cartel utiliza la referencia visual de Guernica para denunciar la violencia de otra guerra, mostrando cómo una obra puede adquirir nuevos significados en distintos contextos históricos.
Relación con mi investigación: Este documento me permite observar cómo el reconocimiento y la difusión de Guernica hicieron posible que su imagen se utilizara para expresar otras denuncias sociales.
Agentes y acciones: Rudolf Baranik utiliza el cartel como medio de protesta y sensibilización contra la guerra.
Fuente: Archivo Repensar Guernica, Museo Reina Sofía.
Documento 3. Presupuesto del seguro del traslado de Guernica a España
Fecha: 12 de agosto de 1981.
Lugar: Madrid, España.
Tipo de documento: Documento administrativo relacionado con el seguro del traslado de Guernica a España.
Descripción: Este documento recoge un presupuesto de seguro para el traslado de la obra de Picasso a España. Permite observar que la historia de una obra de arte también incluye decisiones económicas, administrativas e institucionales.
Relación con mi investigación: Me interesa porque muestra el papel que tienen las instituciones en la protección y el reconocimiento de las obras. Desde mi punto de vista, Picasso y Feni merecen la misma consideración artística, aunque sus obras hayan tenido trayectorias institucionales diferentes.
Agentes y acciones: Las entidades responsables del seguro y del traslado de Guernica participan en las gestiones económicas y administrativas necesarias para proteger la obra durante su transporte a España.
Fuente: Museo Reina Sofía, archivo Repensar Guernica.
https://guernica.museoreinasofia.es/documento/presupuesto-del-seguro-del-traslado-de-guernica-espana
Documento 4. La historia no se repite, pero rima
Año: 2026.
Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Tipo de documento: Registro fotográfico de una exposición.
Comisaria: Tamar Garb.
Descripción: Esta exposición establece un diálogo entre Guernica (1937), de Pablo Picasso, y African Guernica (1967), de Dumile Feni. Las dos obras se presentan juntas para estudiar sus relaciones, pero también las diferencias entre sus contextos históricos y culturales.
Relación con mi investigación: Este documento me interesa porque muestra cómo un museo puede contribuir a dar mayor visibilidad a Feni. Considero importante que su obra se estudie junto a la de Picasso sin tratarla como una obra inferior o una simple imitación.
Agentes y acciones: El Museo Reina Sofía organiza la exposición y Tamar Garb participa como comisaria. La exposición establece un diálogo entre las obras de Picasso y Dumile Feni y permite dar mayor visibilidad al trabajo de Feni, teniendo en cuenta su propio contexto histórico y cultural.
Fuente: Museo Reina Sofía, archivo Repensar Guernica.
https://guernica.museoreinasofia.es/documento/la-historia-no-se-repite-pero-rima
Bibliografía:
Baranik, R. (1967). Stop the war in Vietnam now! [¡Detened la guerra en Vietnam ahora!] [Cartel]. Museo Reina Sofía, archivo Repensar Guernica. https://guernica.museoreinasofia.es/documento/stop-war-vietnam-now-detened-la-guerra-en-vietnam-ahora
Feni, D. (1967). African Guernica (Guernica africano) [Dibujo]. University of Fort Hare. Museo Reina Sofía, archivo Repensar Guernica. https://guernica.museoreinasofia.es/documento/african-guernica-guernica-africano
Fricker, M. (2017). Injusticia epistémica: El poder y la ética del conocimiento (R. García Pérez, trad.). Herder.
Garb, T. (2026). La historia no se repite, pero rima. Dumile Feni: Guernica africano [Hoja de sala]. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. (2026). La historia no se repite, pero rima. https://guernica.museoreinasofia.es/documento/la-historia-no-se-repite-pero-rima
Zolberg, V. L. (2002). Sociología de las artes. Fundación Autor.
Diario de proceso – Entrada 1: Reto 1 – Argumentando lo visual.
El primer reto de la asignatura me ha servido para empezar a entender mejor qué significa investigar desde el ámbito artístico. Antes de realizar esta actividad tendía a relacionar la investigación principalmente con un proceso más académico: buscar información, consultar fuentes, analizar datos y llegar a unas conclusiones. Sin embargo, a lo largo del reto he empezado a comprender que una práctica artística también puede formar parte de un proceso de investigación, siempre que exista una intención de indagar, unas preguntas y una reflexión sobre las decisiones que se toman.
Uno de los aspectos que más me ha interesado ha sido precisamente la relación entre creación e investigación. No considero que cualquier proceso creativo pueda entenderse automáticamente como una investigación. Crear una imagen, una fotografía o una pieza artística puede implicar exploración y experimentación, pero para hablar de investigación creo que también es necesario preguntarse qué se quiere conocer, cómo se desarrolla el proceso y qué podemos aprender a partir de él.
La lectura de Gerard Vilar me ayudó especialmente a pensar en el papel de las imágenes. Una imagen dentro de una investigación no tiene por qué funcionar únicamente como una ilustración de algo que previamente se ha explicado mediante palabras. Puede participar en la construcción y transmisión de conocimiento. Esto me hizo prestar más atención a cuestiones como la composición, la selección de imágenes, el montaje o la relación entre elementos visuales y textuales.
Para desarrollar el reto trabajé también con el ensayo de Francesca Cozzolino, Coralie Maurin y Juliette Nier, “La trayectoria singular de una hoja de maíz” (2025). Me pareció un ejemplo interesante porque combina diferentes procedimientos relacionados con la investigación y con la creación. El proyecto se aproxima al maíz y a su contexto desde elementos etnográficos, audiovisuales, de diseño y animación. Esto permite observar cómo un mismo objeto puede ser investigado desde distintas perspectivas y cómo el lenguaje visual puede aportar información y formas de interpretación diferentes a las de un texto convencional.
Al analizar este caso también apareció una cuestión que considero importante: la imagen no es neutral. El encuadre, el montaje, el ritmo o las decisiones estéticas condicionan nuestra manera de interpretar aquello que estamos viendo. Por eso, utilizar recursos artísticos dentro de una investigación también implica reflexionar sobre las decisiones que se toman y sobre cómo estas pueden influir en el resultado.
Durante el desarrollo del Reto 1 fui entendiendo que la investigación artística puede encontrarse en un espacio intermedio entre diferentes disciplinas. Puede incorporar herramientas de la investigación académica y, al mismo tiempo, utilizar procedimientos propios de la práctica artística. Esto hace posible abordar determinados problemas desde perspectivas que quizá no aparecerían utilizando únicamente métodos tradicionales.
También me ha servido para distinguir mejor entre documentar, interpretar y crear. Documentar una realidad no es exactamente lo mismo que interpretarla artísticamente, aunque ambas cosas puedan formar parte de un mismo proyecto. La creación puede aportar una mirada determinada sobre aquello que se investiga, pero esa mirada necesita ser contextualizada y argumentada.
Una de las ideas que me llevo de este primer reto es que investigar artísticamente no consiste solamente en producir una obra final. El proceso también es importante: las preguntas iniciales, las pruebas, los errores, las decisiones metodológicas, las referencias consultadas y las reflexiones que aparecen durante el trabajo forman parte de la investigación.
Por eso considero útil este diario de proceso. Me permite registrar no solamente el resultado de cada actividad, sino también cómo va cambiando mi manera de entender la investigación artística a medida que avanzo en la asignatura.
Después del Reto 1, mi principal pregunta queda abierta para las siguientes actividades: ¿en qué momento una práctica artística deja de ser únicamente creación y empieza a funcionar realmente como una forma de investigación y de producción de conocimiento?
Uso de inteligencia artificial
Para la realización y revisión de esta actividad he utilizado ChatGPT como herramienta de apoyo.
El objetivo de su uso ha sido ayudarme a organizar las ideas, estructurar algunos apartados, revisar la claridad de la redacción y ordenar las reflexiones surgidas durante el desarrollo del reto. Entre las indicaciones utilizadas se encuentran peticiones relacionadas con la estructura del Reto 1, la revisión de textos, la organización de la presentación y la formulación más clara de algunas ideas.
Las respuestas generadas por la herramienta se han utilizado como apoyo y han sido posteriormente revisadas y modificadas. El contenido final se ha contrastado con los materiales trabajados en la asignatura y las decisiones sobre el contenido y la presentación final han sido tomadas por mí.
Mapa del sistema del arte.
Explicación del mapa.
Para hacer el mapa he decidido representar el sistema del arte como un ecosistema, porque después de las lecturas me ha resultado difícil pensar en el arte como algo que depende únicamente del artista. Cuando vemos una obra normalmente nos fijamos en el resultado final, pero detrás hay muchas personas, trabajos y relaciones que hacen posible que esa obra exista y llegue a ser visible.
Por eso he puesto a los artistas en el centro, aunque no como los únicos protagonistas. Alrededor aparecen las instituciones, los comisarios, las galerías, los museos, el mercado, los colectivos y el público. También he intentado que las conexiones entre ellos no parezcan una red perfectamente ordenada, porque creo que en el sistema del arte también hay intereses, desigualdades y conflictos.
La parte de poder y recursos está arriba porque me parecía importante destacar que no todos los agentes parten de la misma situación ni tienen la misma capacidad para tomar decisiones. De ahí salen también las preguntas que he incluido en el mapa: quién decide, quién tiene el poder, quién es visible y quién queda fuera. Para mí estas preguntas ayudan a entender que el sistema del arte no funciona de una manera completamente igualitaria.
Esta parte la relaciono especialmente con Becker, porque en Mundos del arte explica que la producción artística depende de una actividad colectiva y de muchas tareas y personas diferentes (Becker, 2008). A partir de esta idea he colocado abajo el trabajo invisible, donde aparecen los cuidados, el montaje, la producción, la gestión, la mediación, la organización y el mantenimiento. Son trabajos que muchas veces no asociamos directamente con la creación artística, pero que son necesarios para que pueda llevarse a cabo.
También he incluido lumbung porque me parecía que representaba otra forma de relación dentro de este sistema. A partir del texto de Ricardo Antón sobre ruangrupa, lo he relacionado con el intercambio de recursos, conocimientos y apoyo mutuo entre colectivos. No lo he colocado simplemente como otro agente, sino como una forma diferente de entender cómo pueden compartirse los recursos y cómo se pueden establecer relaciones dentro de una práctica artística (Antón, 2022).
Finalmente, he puesto la visibilidad cerca del público porque no todo lo que ocurre dentro del sistema del arte consigue tener la misma presencia o reconocimiento. Al hacer el mapa, una de las cosas que más he entendido es precisamente que lo que vemos como resultado final depende de muchas relaciones y trabajos que normalmente quedan en segundo plano.
Referencias
Becker, H. S. (2008). Mundos del arte y actividad colectiva. En Los mundos del arte. Sociología del trabajo artístico (pp. 17–59). Universidad Nacional de Quilmes.
Antón, R. (2022). Compostando documenta15. Polièdrica Magazin.
Diario de proceso – Reto 1: Argumentando lo visual – David Escobar González.
Pública Diario de proceso – Reto 1: Argumentando lo visual
Este primer reto me ha servido para empezar a pensar de otra manera sobre lo que significa investigar dentro del ámbito artístico. Antes de hacer esta actividad, cuando pensaba en investigación la relacionaba principalmente con buscar información, leer, consultar fuentes y escribir sobre un tema. Después de realizar el reto, creo que la investigación artística puede estar también mucho más relacionada con el propio proceso de creación.
La primera parte de la actividad consistía en realizar una imagen a partir de una de las frases propuestas. Para mí fue interesante porque no quería limitarme a representar la frase de una manera literal. Tuve que pensar qué significaba para mí y cómo podía llevar esa idea a una imagen. Esto me hizo darme cuenta de que una imagen también puede servir para pensar y expresar una idea, y que no siempre es necesario explicarlo todo con palabras.
La segunda parte del reto fue más reflexiva. Trabajé con el texto de Gerard Vilar, «¿Dónde está el ‘arte’ en la investigación artística?», y con el ensayo visual «La trayectoria singular de una hoja de maíz», de Francesca Cozzolino, Coralie Maurin y Juliette Nier.
El texto de Vilar me hizo plantearme una cuestión que hasta entonces no había pensado demasiado: ¿qué hace que una investigación sea realmente artística? Utilizar fotografías, vídeos o una exposición para presentar una investigación no significa automáticamente que exista una aportación artística. Para mí, la diferencia está también en la forma de utilizar esos recursos y en lo que pueden aportar al propio proceso de investigación.
El ensayo sobre la hoja de maíz me ayudó a entenderlo mejor. Me llamó la atención cómo se mezclan diferentes elementos, como imágenes, vídeo, sonido, narración, diseño y animación. No se utilizan solamente para hacer más atractivo el contenido, sino que ayudan a construir la manera en que se cuenta y se entiende la investigación. A través de algo tan concreto como una hoja de maíz se pueden relacionar temas como el territorio, la agricultura, la cultura, la economía o los cambios sociales.
Una de las cosas que más me llevo de este reto es precisamente esta idea: crear también puede ser una manera de investigar. Sin embargo, también he entendido que no todo lo que hacemos de forma creativa es investigación. Tiene que haber alguna pregunta, una intención, un proceso y una reflexión sobre las decisiones que vamos tomando.
Esto me ha hecho pensar también en mi propia manera de trabajar. Cuando hago algo artístico, muchas veces voy probando cosas, cambiando una idea, descartando otra o descubriendo algo que no esperaba. Antes veía estas cosas simplemente como parte del proceso creativo. Ahora empiezo a ver que también pueden formar parte de un proceso de investigación si soy consciente de lo que estoy haciendo y reflexiono sobre ello.
Otra cosa que me ha parecido interesante es que investigar no significa necesariamente empezar sabiendo qué respuesta queremos encontrar. A veces podemos empezar con una pregunta y, mientras trabajamos, descubrir otras preguntas que no nos habíamos planteado. Creo que esta manera de entender la investigación tiene bastante relación con la práctica artística.
También por eso creo que el diario de proceso puede ser útil. Normalmente prestamos mucha atención al resultado final, pero no siempre dejamos por escrito lo que ha pasado durante el camino. Escribir estas reflexiones me obliga a parar un momento y pensar qué he aprendido y qué cosas han cambiado en mi manera de ver el trabajo.
Uso de inteligencia artificial
Durante este reto he utilizado ChatGPT como herramienta de apoyo, pero quiero dejar claro que el trabajo es personal y que la herramienta no ha sustituido mi proceso de investigación ni mi reflexión.
La he utilizado principalmente para ayudarme a ordenar algunas ideas, revisar la estructura del texto, comprobar si estaba respondiendo a lo que pedía el Reto 1 y mejorar la claridad de algunas partes de la redacción. También la he utilizado para recibir sugerencias sobre la organización y presentación del documento.
Las instrucciones que he utilizado han estado relacionadas con estas tareas: pedir ayuda para organizar el ensayo, comprobar si respondía a los diferentes puntos del enunciado, revisar la estructura y recibir sugerencias para mejorar la redacción y la presentación.
Las respuestas de la herramienta las he utilizado como propuestas y no las he incorporado directamente sin revisarlas. He leído las respuestas, he decidido qué podía servirme y qué no, y después he modificado el contenido para adaptarlo a lo que yo quería expresar. La elección del tema, la lectura de los textos, la interpretación de las ideas y las reflexiones que aparecen en mi trabajo son parte de mi propio proceso.
Para mí, utilizar ChatGPT en este trabajo ha sido más parecido a tener una herramienta que me ayuda a ordenar o revisar algunas ideas que a dejar que haga el trabajo por mí. También he visto que hay que tener cuidado con sus respuestas, porque no siempre una propuesta de la herramienta tiene que ser necesariamente correcta o adecuada para lo que estamos haciendo. Por eso considero importante revisar siempre la información y mantener el control sobre el resultado final.
Reflexión personal
Después de terminar este primer reto, siento que todavía estoy empezando a construir mi propia manera de entender la investigación artística, pero sí noto que mi punto de partida ha cambiado.
Ahora no veo la investigación solamente como algo que ocurre antes de crear una obra, para buscar información y después realizarla. También puede ocurrir mientras estamos creando, probando, observando y tomando decisiones.
Me quedo especialmente con la idea de que investigar y crear pueden ir juntos. Una práctica artística puede hacer que aparezcan preguntas nuevas y puede ayudarnos a mirar un tema desde otro punto de vista.
Creo que este reto ha sido un buen punto de partida para los siguientes, porque me ha hecho prestar más atención no solo a lo que hago, sino también a por qué lo hago, qué decisiones tomo y qué puedo aprender de ese proceso. Esa es probablemente la idea que más me llevo de esta primera actividad.
Este es un espacio de trabajo personal de un/a estudiante de la Universitat Oberta de Catalunya. Cualquier contenido publicado en este espacio es responsabilidad de su autor/a.